Kinoprogramm Dezember 2011

Der neue Film von Álex de la Iglesia - Regisseur von Acción mutante (1993), El día de la bestia (1995), Perdita Durango (1997) und Crimen ferpecto (2004) - gewann die Preise für das beste Drehbuch und die beste Regie in Venedig 2010 sowie zahlreiche andere Preise.

Spanien 1937: Der Clown eines Wanderzirkus wird während der Vorstellung von Regierungssoldaten aus dem Zelt gezerrt und zwangsrekrutiert. Der Spanische Bürgerkrieg tobt und jeder Mann wird gebraucht. Noch in seinem Kostüm schnappt sich der Clown eine Machete und metzelt sich durch die Reihen der Franquistas. 1973 heuert der Sohn des Clowns, der unscheinbare Javier, ebenfalls bei einem Zirkus an. Als trauriger Clown ist er der Spielball des lustigen Clowns Sergio, der außerhalb der Manege allerdings alles andere als lustig ist. Ausgestattet mit einer sadistischen Ader ist Sergio der Liebhaber der schönen Artistin Natalia, die er regelmäßig verprügelt. Als Sergio entdeckt, dass Javier und Natalia eine Affäre haben, beginnt ein blutiger Kampf zwischen den beiden Clowns. Javier scheint sich dabei immer mehr in seinen Vater zu verwandeln und auch Sergio ist nur noch eine rasende Karrikatur eines Clowns.

nzz.ch: Es ist diese Art makabren Humors, gepaart mit oftmals schockierend brutalen Gewaltszenen, die aus «Balada triste de trompeta» einen beunruhigend ambivalenten Film macht, der sich in seinem barock ausufernden Metaphernreichtum jeder einfachen Interpretation entziehen. Am letztjährigen Festival Venedig, wo der Film Premiere hatte und unter Jurypräsident Quentin Tarantino den Preis für die beste Regie und das beste Drehbuch gewann, lag der Vergleich mit dessen «Inglourious Basterds» nahe, weil hier ebenfalls eine gegen den Strich gebürstete Geschichtsbetrachtung das Gerüst einer vor Fabulierlust überquellenden Story bildete.

Ein traumhaft schönes Gegenwartsmärchen über einen jungen Flüchtling aus Afrika, der in der französischen Hafenstadt Le Havre strandet, wo die Bewohner des Hafens dem untergetauchten Jungen helfen, vor allem der heruntergekommene frühere Schriftsteller und jetzige Schuhputzer Marcel Marx. Aki Kaurismäki erhielt zwar für seinen ersten Film seit fünf Jahren keinen Preis in Cannes, aber langhaltenden tosenden Applaus der Zuschauer.

kino.de: LE HAVRE ist ein Sehnsuchtsort und ein menschlicher und wunderbarer Film, in seiner Gesamtheit einfach unwiderstehlich und nicht nur für Akiphile ein Muss! Nach fünf Jahren Leinwandabstinenz lässt Kaurismäki in einer kalten kapitalistischen Welt Solidarität und Subversion blühen, verzaubert mit ungewohnter Leichtigkeit und poetischem Realismus, verbeugt sich vor dem Werk von Jean-Pierre Melville und dem französischen film noir. Souverän balanciert er zwischen Realismus der Außen- und Stilisierung der Innenszenen unterstützt von Timo Salmines sorgfältiger Kamera, die gedämpfte Rot- und Blautöne einfängt. Der Humor ist an Absurdität kaum zu übertreffen, ob Darroussin nun mit einer Ananas Farbe in die triste Kneipe bringt oder Hauptdarsteller André Wilms bei der Lagerleitung sich als Onkel des schwarzen Jungen einführt und seine weiße Hautfarbe damit erklärt, er sei der Familien-Albino. Ohne Angst vor Sentimentalität zieht der wortkarge Regisseur das Herz-Ass und gewinnt die Herzen mit dem "happiest Ending in filmhistory", wie er den fantasievollen Schluss augenzwinkernd nennt. Ein traumhaft schönes Sozial-Märchen vom finnischen Pessimisten Aki Kaurismäki, das einfach rundum glücklich macht und an der Croisette die Herzen eroberte. Minutenlanger tosender Applaus in Cannes für Aki Kaurismäki, der dann leider doch keinen Preis erhielt.

Der Film, der auf der Berlinale 2011 mit dem Caligari-Preis des Forums sowie dem Teddy für den besten Dokumentarfilm ausgezeichnet wurde, ist ein intimes, berührendes Porträt über das Leben und Werk des bahnbrechenden Performance-Künstlers und Musik-Pioniers Genesis Breyer P-Orridge - bekannt durch COUM Transmissions (1969-1976), Throbbing Gristle (1975-1981) und Psychic TV (1981 bis heute) - und seiner Lebens- und Arbeitspartnerin Lady Jaye.

William S. Burroughs über Genesis P-Orridge:
"Er ist der einzige Mensch, den ich je kennengelernt habe, den ich als Held verehren würde… Ein Phänomen. Ich war schon immer von der Idee angetan, dass die wichtigste Arbeit die ist, wie man lebt, und man soll das Leben als ein Werk leben und versuchen, jeden Aspekt davon so interessant wie möglich zu gestalten."

zitty.de: Genesis P-Orrigde war Ende der 70er der Typ, vor dem uns nicht nur unsere Eltern immer gewarnt haben. Der expressive Künstler wurde in seiner Heimat England zeitweilig auch als „Zerstörer der Zivilisation“ angesehen. Seine erste Band Throbbing Gristle gilt als Grundstein der Industrial Music. Gewalt, Pornografie und Stilelemente des Nationalsozialismus prägten die äußere Gestalt dieser provokanten Performance Gruppe. Bekannter wurde er mit Psychic TV, angesiedelt zwischen Experiment, Techno und Independent Rock.

Künstler oder Krimineller – für Thomas Brasch waren das die möglichen Existenzweisen. Brasch war ein leidenschaftlicher und charismatischer, ein aggressiver Dichter und Filmemacher. Der Konflikt war sein Leben, der Schmerz sein Auge, die Wunde der Kontakt zur Außenwelt. Seine Theaterstücke, darunter »Lovely Rita«, »Lieber Georg« oder »Rotter«, prägten die Literatur der DDR ebenso wie die der BRD. Als Wegbegleiter von Heiner Müller und Matthias Langhoff, als Lebensgefährte von Katharina Thalbach ist er aus der deutsch-deutschen Theaterszene nicht wegzudenken. In »Brasch« erzählt sein Freund und Kollege Christoph Rüter von der Begegnung dieses rastlosen Schriftstellers mit sich selbst.

‎"Zuerst spürte ich seinen Kopf, der stark auf meine Blase drückte, und einige Minuten später den Schwanz, der in meinem Mund wedelte. Ich wollte nicht darüber nachdenken, wie der Wolf in mich hineingekommen war und warum er verkehrt lag. Ich stieg in die Straßenbahn 63 und fuhr zum Krankenhaus Friedrichshain. Die blonde Pförtnerin wies mir sofort den Weg in den Operationssaal. Ich legte mich auf ein Holzbrett und wartete auf den Arzt. Der Arzt schnitt mir den Bauch bis zum Hals hin auf und sah auf den Wolf. Der Wolf lag sehr ruhig. Wenn wir den Wolf aus Ihnen herausnehmen, werden Sie sterben, sagte der Arzt. Ich stand auf und verließ den Operationsraum. Ich ging auf die Straße, und die Leute starrten auf meinen Bauch. Ich war nackt, und der Wolf begann wieder mit seinem Schwanz zu wedeln. Ich stieg den Berg herunter, an der Straßenbahnhaltestelle vorbei. Der Schriftsteller S. trat auf mich zu und teilte mir mit, daß das Bild des Malers M. "Der Schlüssel" aus der Ausstellung in Dresden entfernt und beschlagnahmt worden sei. Ich ging weiter den Berg hinunter, nachdem der Schriftsteller S. sich mit erhobener geballter Faust verabschiedet hatte. Ich bog gleich in die Wilhelm-Pieck-Straße ein und ging auf das Haus Nr. 68 zu, in dem ich wohne."
-- Vor den Vätern sterben die Söhne, Thomas Brasch

Bei diesem psychedelischen Horrorfilmklassiker arbeitete Mario Bava zum letzten Mal an einem Film mit. Dario Argento, der zuvor in den 70er Jahren mit Profondo Rosso und Suspiria brillierte, lud seinen Mentor Mario Bava zur Mitarbeit ein, die in einigen optischen Effekten bestand. Abschluss unserer Mario Bava-Filmreihe.

Das ist der letzte Spielfilm von Mario Bava, ein alptraumhafter Mystery-Thriller über eine Frau, die von ihrer Vergangenheit eingeholt und von Wahnvorstellungen heimgesucht wird und dabei von ihrem kleinen Sohn terrorisiert wird. Ein letztes Meisterwerk des Regisseurs, der 1980 an einem Herzinfarkt starb. Im gleichen Jahr trat sein Sohn Lamberto seine Nachfolge als Horrorfilmregisseur an und schuf mit Macabre, Demons und Demons 2 einige Genreklassiker. Lamberto arbeitete auch am Drehbuch von Shock mit. Die Hauptrolle spielte Daria Nicolodi, die in vielen Filmen von Dario Argento, dem großen italienischen Horrorfilmregisseur zu sehen war.

In einer alten spanischen Stadt verliert die junge Amerikanerin Lisa den Kontakt zu ihrer Reisegruppe. Bei Einbruch der Dunkelheit nimmt sich ein Ehepaar samt Chauffeur ihrer an, doch unglücklicherweise streikt der Wagen kurz darauf vor einer alten Villa. Sie suchen Unterschlupf in der Villa, die von einer alternden Gräfin, ihrem Sohn Maximilian und dem mysteriösen Butler Leandro bewohnt wird. Im Laufe der Nacht wird Lisa Zeugin furchtbarer Ereignisse, die sie daran zweifeln lassen, ob sie wacht oder träumt. Einer der schönsten Filme Mario Bavas, ein komplexes und surreales Filmmärchen, artifiziell und poetisch, mit einer raffinierten und ausgeklügelten Kameraarbeit.

Die Aufgabe der Blauwichtel ist es, das magische Silber, das tief in den Höhlen des blauen Berges verborgen liegt, zu bewachen. Als es einem Rotwichtel gelingt, durch die Leichtsinnigkeit von Prinzessin Blaurose das Silber zu stehlen, wird sie aus ihrem Reich verbannt. Mit Hilfe von Dreng, dem Kronprinzen der Rotwichtel, macht sich Blaurose auf die Suche nach dem Dieb und dem Silber. Ohne es würde ihre Welt in Dunkelheit versinken. Der stimmungsvolle norwegische Märchenfilm, der auf alten Sagen und einer Fernsehserie beruht, war der erfolgreichste Film in Norwegen, ging hierzulande im Kino jedoch komplett unter. Zu Unrecht, versteht sich.

kino-zeit.de: Nicht bombastische Effekte, sondern die von Volksglaube und Sage inspirierten Szenenbilder verleihen der Handlung trotz des ruhigen Erzählflusses einiges an Spannung. Unter den kühlen Farben der Landschaft wohnt der Bildsprache des Fantasy-Abenteuers eine tiefe Wärme inne. Das Geheimnis des magischen Silbers verbirgt sich in dem mythenschweren Halbdunkel der Szenerie, welches das Kinderabenteuer mehr zum Sagen- als zum Märchenfilm macht. Gegenüber den computergenerierten Großproduktionen von Disney und Pixar, die zur Weihnachtssaison in die Kinos drängen, mag der Überraschungserfolg aus Norwegen unscheinbar wirken. Dass im Film wie in der Sage der Zauber des Fantastischen oft im Verborgenen zeigt, weiß Das Geheimnis des magischen Silbers indes am besten.