Kinoprogramm-Archiv Januar 2012

Frank und Simone Lange leben eigentlich ein beschauliches und ruhiges Leben, doch als bei Frank unerwartet ein unheilbarer Gehirntumor diagnostiziert wird, ändert sich schlagartig alles: Der Familienvater ist von der Angst auf den bevorstehenden Tod überwältigt und Simone und die Kinder der beiden fragen sich, was die Zukunft bringt. Frank wird schwächer und zu einer immer größeren Belastung für seine Familie, die miterleben muss, wie er immer weniger Kontrolle über seinen Körper hat und Herr seiner selbst ist.

schnitt.de: Nachdem er mit seinen letzten Filmen etwas vom Weg der Großartigkeit abgekommen war, findet Dresen hier mit traumwandlerischer Sicherheit wieder zu sich selbst zurück; greift sich eines der schwierigsten Filmthemen überhaupt und verwandelt es mittels improvisierter aber hochstilisierter Spielszenen, zu einer ganz eigenen und höchst ansprechenden filmkünstlerischen Arbeit, die im immermüden deutschen Belanglosigkeitskino dieser Tage seinesgleichen sucht.

Eine Liebe in den Zeiten der Apokalypse. Eine unerklärliche Epidemie führt dazu, dass die Menschen auf der ganzen Welt ihre Sinneswahrnehmungen verlieren. Während sich die Katastrophe anbahnt, finden in Glasgow die Forscherin Susan und der Chefkoch Michael zueinander. Obwohl sich die Krankheit weiter ausbreitet und alle Menschen ihren Geruchs- und Geschmackssinn bereits eingebüßt haben, geht das Leben weiter. Gefühlsschwankungen gehen einher mit der Ausbreitung des Virus im Körper, und vor dem Verlust des Hörsinns führt ein Wutausbruch Michaels dazu, dass sich die beiden verlieren. Und es droht noch Schlimmeres: Blindheit. Werden die beiden Liebenden wieder zu einander finden?

programmkino.de: Nur selten hat ein Film Form und Inhalt zu einer derart überzeugenden Einheit miteinander verschmolzen. David MacKenzie fängt den immer aggressiveren Verlust unserer Sinneswahrnehmungen in poetischen, zwischen Verfall und purer Schönheit changierenden Bildern ein. In „Perfect Sense“ kann man das Essen in Michaels Restaurant förmlich schmecken, die Fische auf dem Markt beinahe riechen. Statt sanfter Steadycam-Fahrten montierte Kameramann Giles Nuttgens in mehreren Szenen das Objektiv einfach auf Michaels Fahrrad. Dann sieht es so aus, als würde die Leinwand für wenige Sekunden vibrieren und aus ihrem Rahmen herausbrechen. Auch über die Tonspur ermöglicht der Film ein ebenso intensives Erleben seines bisweilen recht verstörenden Szenarios, das jedoch zum Ende hin auch einen gewissen Trost und einen zumindest angedeuteten Hoffnungsschimmer bereithält.

Justine feiert ihre Hochzeit im schwerreichen Landhaus ihrer älteren Schwester Claire. Doch das Fest nimmt einen unglücklichen Verlauf und steht im Wortsinne unter einem ungünstigen Stern. Die globale Katastrophe, der Weltenbrand, wird vom dänischen Überregisseur Lars von Trier als privates Psychodrama in betörenden Bildern inszeniert, untermalt von Wagners Tristan und Isolde.

Amüsantes Interview mit Trier im SPIEGEL:
SPIEGEL: Es gibt eine merkwürdige Szene in "Melancholia", da liegt Kirsten Dunst nackt im grünen Mondlicht an einem Weiher. Man weiß nicht genau, was das soll.
TRIER: Superkitschig, oder? Das war ein bisschen ein Privatvergnügen, der Film braucht die Szene nicht, und vielleicht ist er auch deswegen nicht so gut. Aber man kann sich die Szene fast als Gemälde vorstellen, das der Führer gern an seiner Wand gehabt hätte. Überhaupt die Ästhetik der Nazis...
SPIEGEL: Bitte hören Sie auf. Man kann das nicht aushalten.
TRIER: Bitte nur noch eine Frage: War das Göring, der immer diesen kleinen Stab in der Hand hielt?

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Kultfigur der Beat-Generation, Pionier der Gegenkultur, Drogenpapst: William S. Burroughs riss Grenzen des Mainstream ein, erhob den Drogenrausch zum künstlerischen Medium, wurde zum ungewollten Wortführer der schwulen Befreiungsbewegung. Sein Roman „Naked Lunch“ wurde zur Bibel von Punks, Hippies, der Queer-Bewegung, von Revolutionären, Künstlern und Musikern in aller Welt. So ziemlich jede gegenkulturelle Bewegung des 20. Jh. beruft sich auf ihn: Die Dokumentation ist der liebevoll-forschende Versuch, den Menschen zu ergründen, der aus Versehen seine Frau erschoss, dessen Werk den Konservatismus seiner Zeit bis ins Mark erschütterte, dessen kreative Gewalt die Kultur des 20. Jahrhunderts beben ließ.

Wie kaum eine Künstlerfigur steht Burroughs für einen radikalen Widerspruch, den Regisseur Yony Leyser in seinem Film vorbehaltlos auslotet: zwischen Individualismus und Abhängigkeit, zwischen Unabhängigkeit und Vereinnahmung entsteht das intime Porträt eines großen Schriftstellers, getragen vom genialen Score von Patti Smith und Sonic Youth. Leyser bekam die Großen und Bekannten, die Jünger, Weggefährten, Kritiker und Bewunderer vor die Kamera: In exklusiven Interviews und Archivmaterial erzählen Patti Smith, Iggy Pop, Gus Van Sant, John Waters, Genesis Bryer P-Orridge, Sonic Youth, Laurie Anderson, Amiri Baraka, David Cronenberg und Allen Ginsberg Geschichten aus dem Reich eines extremen Grenzgängers.

Burroughs und wie ihn die Welt sah, Burroughs und wie er sich selbst sah: irgendwas zwischen Mensch und Monster. Ein Outsider in jeder Hinsicht. Und genau das bildet "A Man Within" ab. Der Film zeichnet kein klares Bild über den Mann, der schwul war und über sich selbst sagte, keinen einzigen Tag in seinem Leben schwul gewesen zu sein. Der als "Godfather" der Beat Generation gefeiert wurde, sich selbst aber nie als Teil von ihr sah. Dem seine etlichen Katzen näher standen als sein Sohn, der mit 33 Jahren an Alkoholsucht starb... Wer William S. Burroughs wirklich war, darauf gibt der 25-jährige Regisseur Yony Leyser in seinem Debütfilm keine eindeutige Antwort. Und das ist auch gut so. Vier Jahre ist Leyser durch die USA gereist, um diesen Film zu machen. Herausgekommen ist ein berührendes Porträt, das nichts beschönigt, und doch den Menschen zeigt, der William S. Burroughs war. Mit einem Soundtrack von Sonic Youth und Patti Smith, mit einem dekadent Zigarre rauchenden Peter Weller als Erzähler, ist "A Man Within" selbst eine Art Beat Poem.

Ein absolut großartiges Arschloch »

Die pessimistische Odyssee dreier Männer durch die verbotene Zone. Unglaubliche Bildkompositionen, verfilmte Poesie! Tarkowskis eindringliches Essay gehört ohne Zweifel zu den herausragendsten Ereignissen der Filmgeschichte. Der minimalistische Originalsoundtrack von Eduard Artemjew ist eine der interessantesten Filmmusiken überhaupt. Die literarische Vorlage Picknick Am Wegesrand stammt von den Wissenschaftlern und Schriftstellern Arkadi und Boris Strugatzki, die auch das Drehbuch schrieben. In der 23. Ausgabe unserer FILM IN SOUNDS-Reihe erarbeiten sich drei Musiker einen neuen Soundtrack für dieses Monument der Filmgeschichte.

Es spielen live:
Friedemann Graef: Saxophon und Bassklarinette (www.saxophoneconcepts.de)
Kay Degner: Schlagwerk
Christian Magnusson: Trompete

Legendärer Drogen- und Experimentalfilm. Ein Amerikaner fliegt nach Paris, um sich in einer privaten Entzugsklinik von seiner Drogenabhängigkeit zu befreien. Doch in seinen Erinnerungen an die Kindheit in Chappaqua wird er von Alpträumen und Visionen geplagt, die der Film visuell herausragend mit den Erzähltechniken der Beatniks montiert.

17.-18.01.

The Final Academy Documents (OV)

Original language

D 1982, 60 Min. Regie: Anthony Balch

Diese Dokumentation stellt die Kurzfilme Ghosts at Number 9 und Towers Open Fire aus den 60er Jahren und Ausschnitte einer Lesetour aus den 80er Jahren zusammen.

25.-26.01.

Commissioner of Sewers (OV)

Original language

D 1991, 56 Min. Regie: Klaus Maeck

Filmausschnitte, Archivmaterial, eine Lesung im Filmkunst 66 von 1986 und ein Interview mit dem deutschen Beatnik und langjährigem Flugzeugpiloten Jürgen Ploog sind in dieser Dokumentation compiliert.

Der wunderschöne Zeichentrickfilm des russischen Animationsregisseurs Lew Atamanow nach dem Märchen von Hans Christian Andersen ist heutzutage in den Hintergrund gegenüber der anderen bekannten Märchenfilmadaption von 1966 getreten. Dabei ist er sogar beeindruckender und kann auf eine stolze Reihe von Auszeichnungen verweisen: der Film gewann die Hauptpreise in Venedig 1956, Cannes 1958, Rom 1958 und London 1959.

Bekannte und sehr gelungene Verfilmung des Märchens von Hans Christian Andersen. Die melancholische und manchmal sehr dramatische Stimmung der Geschichte wird durch einen komödiantischen Märchenerzähler aufgelockert, der zusammen mit der warmherzigen Großmutter das Gegenstück zu der düster-erhabenen Schneekönigin und dem eiskalten und skrupellosen Kommerzienrat bildet. Ebenso wie die Trickeinlagen mit der dicken Frau Tintenfaß und dem dürren Herr Federhalter gerade bei den jüngeren Zuschauern dafür sorgen, den verhängnisvollen Bann der Schneekönigin zu brechen.

Einfühlsame Satire über das Leben in einer mexikanischen Familie. Der neunjährige Abel wird auf Wunsch seiner Mutter aus der Klinik entlassen. Er hörte nämlich auf zu sprechen, nachdem der Vater die Familie in Richtung USA verlassen hatte. Nun übernimmt er die Rolle des Vaters und versucht Normalität und Ordnung in den chaotischen Alltag zu bringen. Ein bezauberndes, emotionales Spiel zwischen Traurigkeit und Freude, das vor allem auf die kleinen Details des täglichen Lebens wertlegt. Die fantastische Kameraführung und realistische Bildkomposition verankern diese absurde Geschichte in der Wirklichkeit.

„Zona Sur“, ein Viertel von La Paz, in dem die bolivianische aristokratische Oberschicht wohnt, stellt den Rahmen für dieses Familiendrama dar. Nicht nur eine exemplarische Darstellung der allmählich zerfallenden bolivianischen Aristokratie, sondern viel mehr ein künstlerisches Gesamtkunstwerk aus atemberaubenden Bildern, Farben und Musik. Die entscheidende Handlung geschieht nicht offensichtlich, sondern unter der Oberfläche – durch die faszinierende Komposition des Films hervorgehoben. Der Film wurde 2010 auf dem Sundance Festival mit zwei Preisen ausgezeichnet.